Tarih Podcast'leri

Sanatçı Projesi: Kolomb Öncesi Altın - Teresita Fernández

Sanatçı Projesi: Kolomb Öncesi Altın - Teresita Fernández


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

>

Teresita Fernández Kolomb öncesi altın üzerine

"Bunun büyüklüğü temsil ettiğini biliyoruz, ancak buna işaret edecek sadece bir avuç örneğimiz var."

Sanatçı Projesi, sanatçılara ansiklopedik koleksiyonumuza yanıt verme fırsatı verdiğimiz 2015 çevrimiçi dizisidir.


Ortaya Çıkan Yer: Teresita Fernández ile Bir Röportaj

Fata Morgana, 2015. Kurulum görünümü. Madison Meydanı Parkı, New York
2015-2016. © Teresita Fernandez. Fotoğraf: Elisabeth Bernstein. Sanatçı, Lehmann Maupin, New York ve Hong Kong ve Anthony Meier Güzel Sanatlar, San Francisco'nun izniyle.

TSanatçı Teresita Fernández heykelleri, çizimleri ve enstalasyonları aracılığıyla sürekli olarak peyzajın tanımını genişletiyor, yer kavramlarını izleyiciyi hem baştan çıkaran hem de ona meydan okuyan kavramsal bir alana taşıyor. Soru Neredeyim? şişer Burada ne oldu?, Benden önce kim geldi?daha metafizik olanın yanında Varlığım bu yeri ve onunla ilgili deneyimimi nasıl tanımlıyor?

Lindsey Davis: “Manzara” kelimesinin genellikle tembelce kullanıldığını söylediniz. Çalışmanızı, KARA'ya ve bedenlerin içinde ve çevresinde hareket etmesini gerektiren bir 'scape'e vurgu yapan heykelsi manzaralar yaratmak olarak görüyorum. Geleneksel peyzaj kavramlarını kullanan çalışmanızı nasıl görüyorsunuz ve aynı kavramlara karşı çalıştığını nasıl görüyorsunuz?

Teresita Fernández: Peyzajla ilgili pek çok yerleşik fikirden ayrılıyorum ama aynı zamanda onları sorguluyorum ve "manzara" kelimesinin anlamını güçlendirmek için çok farklı bir lens serisi sağlamaya çalışıyorum. Ve tembel bir şekilde kullanıldığını söylediğimde, özellikle Batı için bu kelimeyi Avrupa manzara resminden ve/veya Amerikan manzara resminden gelen geleneksel resimsel temsil anlamında kullanıyoruz demektir. Ve bu, peyzaj fikrinin ne olduğuna dair çok sınırlı bir kavramdır, özellikle de Batılı olmayan geleneklere bakarsanız - ve sadece geleneklere değil, aynı zamanda yer ve peyzajın ne olduğuna dair kavramsallaştırmalara da bakarsanız. Bu tamamen farklı bir dil ve bu yer fikrini ve bir uzantı olarak kişinin kendi yerleşimini anlamak için tamamen farklı bir referans noktaları seti.

Kör Arazi (Yeşil Ayna), 2013. İki kat cilalı hassas kesim paslanmaz çelik, 46,5 x 70,5 inç. Sanatçının ve Lehmann Maupin, New York ve Hong Kong'un izniyle.

LD: Heykellerinizdeki antropomorfizm, işinize fantastik bir his veriyor - sanki bizimkine benzer başka bir gezegenden geliyorlar ya da dünyamızın unsurları abartısız bir zarafet prizmasından görülüyor. Çalışmanızın izleyicileri taşımasını umduğunuz belirli bir yer veya onlara vermesini umduğunuz belirli bir duygu var mı?

TF: Belirli bir duygudan çok, izleyicide en çok değer verdiğim tepki yakınlık. Bağlantınız olan yerleri düşünürseniz, o yerlerle çok öznel ve çok kişisel bir yakınlığınız var.

Sorduğum şey “neredeyim? Bu yer, kolektif hayal gücümüzde nasıl var olur?' Bu şekilde, manzara, önünüzdeki fiziksel manzaradan çok uzakta, tamamen inşa edilmiş bir kavram anlamına gelir.

Bu yakınlık duygusu, bence, taşıyıcı olan şeydir. Fenomenolojiyle bağlantılı bir fikir, daha iyi bir kelime olmadığı için, bir tür önemli hayal kurmayla ilgili. Kendinizi bir şeye yansıtmak ve fiziksel olarak hareket etmeden bir boşlukta ilerlemekle ilgilidir. Bir yerde yaşamanın farklı bir yolu ya da bir yerde yaşamanın başka bir yönü diyelim. Ve insanbiçimcilik gerçekten de kişinin bedeniyle yer ilişkisiyle ilgilidir. Kelimenin tam anlamıyla bedene gönderme yapan işler yaptım, örneğin Küba'da Viñales adlı çok özel bir kırsal manzarayla ilgili bir dizi çalışma yaptım ve Viñales mağaralarında çok zaman geçirdim. Mağaraların içinden çerçevelenmiş manzaranın bu görünümlerinden oluşan bir dizi çizim yaptım. başlıklı eser Viñales (serviks) mağaranın açılmasının kadınsı bedene bir gönderme olduğunu düşündürür. Bu serideki bir başka heykel parçasının adı Viñales (Yatan Çıplak). Figür yok, işim asla kendi başına mecazi değil, ancak figür her zaman ima ediliyor ve manzarada bir figür gibi işlev gören genellikle sizsiniz. "Manzaradaki figür" gibi geleneksel bir nosyona sahibiz, ancak çalışmamda bunun ne anlama geldiğine dair farklı bir anlam vermeye çalışıyorum, manzaranın içinde olduğunuz ama manzaranın da sizin içinizde olduğu hissini vermeye çalışıyorum. Bu şekilde, peyzaj sabit olmayan bir şey haline gelir, bir yer hakkında düşündüğünüzün oluşumu tamamen öznel hale gelir ve sürekli gelişir.

Kör Arazi (Yeşil Ayna) (detay), 2013. İki kat cilalı hassas kesim paslanmaz çelik, 46,5 x 70,5 inç. Sanatçının ve Lehmann Maupin, New York ve Hong Kong'un izniyle.

LD: İzleyicileri başka bir yere taşıma ve mevcut çevrelerini dönüştürme fikirleri işinizde nerede kesişiyor?

TF: İş bir bilgi istemi gibi çalışır. Gerçek manzarada olduğunuzda olduğu gibi, gördüğünüzün yarısı aslında ona getirdiğiniz şeydir. Çalışma sizden boşlukları doldurmanızı istiyor. Yine, izleyiciyle bu karşılıklılığım var, ancak iş sadece bu etkiyi yaratamaz. Katılmak, o şeye yansıtmak, gerekli olan bir şeyi deneyimsel olarak çözmek için bir tür isteklilik vardır.

Genellikle mayınlı malzemelerle ilgileniyorum—belirli yerlerden gelen malzemeler. Örneğin, kullandığım grafit Sri Lanka'dan. Altın, pirit ve demir cevheri kullandım. Bu malzemeler kelimenin tam anlamıyla yerlerin parçalarıdır. Belirli yerlerden fiziksel olarak çıkarılırlar - bu anlamda gerçek bir manzaranın parçası. Bu ham maddeleri kullanarak yeni bir imaj oluşturduğumda birden fazla şeye aynı anda sahip olmak yükleniyor. Eşzamanlı olarak, bir malzeme olarak geldiği manzara, aynı zamanda yaratılan, tamamen farklı ve ilgisiz olabilecek ikincil görüntü haline gelir. Bu yüzden, her zaman aynı anda birçok yerde olduğumuz ve düşündüğümüz her yerin, ister fiziksel ister hayali olsun, pek çok yerin bir tür katmanlaşması, yığılması olduğu fikriyle oynuyorum. hatırladı.

Viñales (Yatan Çıplak), 2015. Wakkusu ® Beton, bronz ve malakit, 48 x 64 x 101 inç. Sanatçının ve Lehmann Maupin, New York ve Hong Kong'un izniyle.

LD: Heykellerinizin çoğu, konularıyla ilgili fikirleri tersine çeviriyor—Şelale tekil çıktısıyla neredeyse sanayileşmiş durumdayken, Kumdan tepe üstüne değil, tırmandığın bir merdivendir. Görünüşe göre çalışmanızın keşfettiği doğal unsurlar, tam olarak anlaşılması için bir insan varlığını gerektiriyor. İnsanları, peyzajın kendisinin sürekli olarak var olan bir parçası olarak nasıl görüyorsunuz?

TF: Eski Çin peyzaj fikirlerine bakarsanız, izleyiciden ayrı değiller. Manzarada değil ya da etrafınızdakileri gören ayrıcalıklı bir varlık değilsiniz. Siz daha çok peyzajın entegre bir bileşenisiniz. Aynı anda manzaraya bakmanızın bir tür karşılıklılığıyla gerçekten ilgileniyorum, ama manzara da size bakıyor. Aslında o manzarayı siz de yaratıyorsunuz, o şeyin aktif bir parçasısınız. Bu fikirleri, siteye özel bir kurulum yaptığımda veya belirli bir yere referans olan bir iş bütünü yaptığımda işimde kullanırım. Sadece yerin fiziksel koordinatlarıyla değil, aynı zamanda kendimizi her zaman çok aktif olarak yerleştirdiğimiz ve aradığımız, kendimizi yer içinde yeniden konumlandırdığımız fikriyle de ilgileniyorum. Yine, manzara fikri bu sabit fikir değil, daha çok sürekli müzakere ettiğimiz ve içindeki varlığımızla yeniden tanımladığımız bir duygu. Yere aynı anda hem fiil hem de isim olarak bakmanın bir yolu haline gelir. Yani fiziksel bir yeriniz var ama aynı zamanda kendinizi aktif olarak o yere yerleştiriyorsunuz.

Viñales (Yatan Çıplak) (detay), 2015. Wakkusu ® Beton, bronz ve malakit, 48 x 64 x 101 inç. Sanatçının ve Lehmann Maupin, New York ve Hong Kong'un izniyle.

LD: Siteye özel kurulumlar oluşturma sürecinizden biraz bahseder misiniz? Bir yerin en çok hangi yönlerine uyum sağlıyorsunuz?

TF: Siteye özel bir şey yaptığımda kendime “Neredeyim?” diye soruyorum. Bu çok basit bir soru ama aynı zamanda nasıl sorduğunuza bağlı olarak çok yüklü bir soru. Tarihler çok çelişkili ve çarpık olduğu için, kendime yer hakkında sık sık şu soruyu soruyorum: Tarihsel, fiziksel, sosyal, coğrafi, ırksal olarak neredeyim? Bu koordinatlar nerede? Etrafımda ne var? Üç yüz fit aşağıda bir çukur kazarsam ne olur, ne bulurum? üstümde ne var Manzaranın aynı zamanda başınızın arkasında, ayaklarınızın altında ve başınızın üstünde olduğu fikri - sadece önden deneyimlediğimiz bir şey değil - sizin de sırayla hareket ettikleri yerlerde hareket ettiğiniz anlamına gelir.

Yere sadece fiziksel bir yer olarak değil, hayali bir yer olarak bakıyorum - yerleri ve manzaraları gerçekten bu statik yerlerden ziyade insanoğlunun tarihi olarak düşünüyorum. Bir yüzyıldan diğerine bir manzara, kesinlikle kentsel ortamlara yakınsa, tamamen farklı görünebilir. Ve çoğu zaman, fiziksel bir sitenin tarihinin birçok yönü, günümüz izleyicisi için tamamen görünmez kalabilir.

Şelale, 2000. Alüminyum, plastik, 144.09 x 144.09 x 335.83 inç. Sanatçının izniyle, In Arco, Torino ve Lehmann Maupin, New York ve Hong Kong.

LD: Çalışmalarınızın çoğu başlangıç ​​ve bitiş noktası tanımlarını reddediyor, ancak Fata Morgana izleyicilere net bir giriş, işin bir parçası oldukları bir yer verdi. Kamuya açık enstalasyonlarınızda, insanların hangi noktada yoldan geçenlerden izleyicilere, sanat eserinin kendisinin bir parçasına dönüştüklerini görüyorsunuz?

Ben bu üçünün birbirinin yerine geçebileceğini düşünüyorum. İle birlikte Fata Morgana (2015) Madison Square Park'ta günde elli binden fazla insan o parkın içinden ve parçanın altından yürüdü. İsteseler de seçmeseler de, parçaya yansıtıldılar ve aynı zamanda diğer taşıtlar ve yoldan geçenlerle ortak bir alana yansıtıldılar. O özel proje örneğinde, kamusal alanı ve kamusal alanı nasıl kullandığım üzerinde demokratikleştirici bir etki vardı ve bu, yoldan geçen biri olarak sizin izleyici olduğunuz ve aynı zamanda sanat eseri olduğunuz anlamına geliyordu. Sanat eseri metal, çelik ya da temel değildi, daha çok onunla etkileşime giren insanların yarattığı dinamik yüzey ve değişen ışıktı. Yani bir andan diğerine parça tamamen farklı görünebilir. Proje adeta uzaya ve değişen atmosferik koşullara, ışığa ve etrafındaki herkese bir barometre gibiydi. Sitenin kendisine ve New York şehrinin kentsel faaliyetine dev bir ayna gibiydi.

Kumdan tepe, 2002. Boyalı alüminyum, cam boncuklar, 336 x 60 x 96 inç. Sanatçının ve Lehmann Maupin, New York ve Hong Kong'un izniyle.

LD: Çalışmanız kültürleri ve yerleri tutarlı bir şekilde bir araya getiriyor ve yine de bir şekilde hepsini temsil ediyor gibi görünüyor. Sizi özellikle etkileyen, işinize bir unsur eklemeniz gerektiğini bildiğiniz hangi yerleri ziyaret ettiniz?

TF: Kariyerimin başından beri çok seyahat ediyorum. Sadece farklı yerlerde ikamet ederek uzun zaman geçirdim, bu yüzden Japonya elbette benim için çok önemli bir yer ve manzara ve aynı zamanda samimiyetle ilgili oluşumumun çoğu, Japonya'daki zamanımdan geldiğini düşünüyorum. Benim için önemli olan bazı özel manzaralar var çünkü orada zaman geçirdim. Bali benim için önemli bir yer Küba önemli bir yer çünkü ailemin geldiği yer orası. Karmaşık insan anlatılarıyla dolu, tarihsel olarak çok zengin bir manzara.

Sanat eseri, bu yerlerin bir illüstrasyonu değildir. Aslında yerler hakkında çok evrensel bir duyarlılığım var. Sanatçı olmakla ilgili en ilginç şeylerden biri, çalışmamın normalde birbiriyle hiçbir ilgisi olmayan şeyler arasında bağlantı kurmanın ve bağlantı kurmanın bu çok tuhaf yolu üzerine kurulu olmasıdır. Çalışmada bir tür evrensellik var, bu yüzden aynı şeyde, çok Japon bir deneyimden gelen bir şeyle katmanlanmış, başka bir yerde okuduğum Amerikan edebiyatının tarihi bir parçasıyla çok Avrupai bir imaja veya fikre gönderme yapıyor olabilirim. . Ve bu referanslarda bir hiyerarşi yok çünkü bunlardan hiçbirini göstermiyorum, aslında aralarında alışılmadık şekillerde ve çok kişisel bir mercekle bağlantılar kuruyorum.

Gece Yazısı (Kahraman ve Leander), 2011. Ayna ile birleştirilmiş mürekkep püskürtmeli renkli ve şekilli kağıt hamuru, 49.21 x 66.14 inç. Sanatçı, Lehmann Maupin, New York ve STPI Singapur'un izniyle.

LD: Yani, işinizi yönlendiren bir yerde sahip olduğunuz tek bir deneyimin çok fazla olmadığını söyleyebilir misiniz?

TF: Bazen, örneğin Borrowdale, İngiltere gibi bir yer hakkında çok garip bir gerçek olabilir. benim heykelim Çekilmiş Sular (Borrowdale) (2009), 1500'lerde grafitin keşfedildiği yer olan İngiltere, Borrowdale'e bir göndermedir. Bu tek gerçek, kalemlerin ve dolayısıyla çizimlerin, kelimenin tam anlamıyla, yeraltında sadece katı grafit olan bu manzaradan geldiği fikri. Çizdiğiniz kalemin fiziksel bir manzaradan gelebileceği, o manzarada durabileceğiniz ve ayaklarınızın altındaki her şeyin katı grafit olacağı fikri, çizim eylemi hakkında düşünmemin başka bir yolu oldu.

Bazen beni belirli bir manzaraya çeken çok ilginç bir ayrıntı olacak. Önemli olan, büyük açık özellikler değil, en azından aklımda, başka bir şeyle ilgili ilginç ayrıntılar. Geriye dönüp baktığımda, işi yaptıktan ve bu bağlantıları kurduktan sonra onlara bir biçim ve duyarlılık kazandırıyorum. Ancak önceden, şeyler ve yerler arasındaki bu bağlantıları kurmak aslında çok gizemli ve karmaşıktır - bu benim sürecimin yaratıcı, kavramsal ve zorlu kısmı.


Teresita Fernández'in Güçlü Sanatı Karayipler'de Sömürgeci Şiddetin Devam Eden Tarihlerini Çıplaklıkla Ortaya Çıkarıyor

Bazı sanatçılar gözlerini hayatın küçük şeyleri üzerinde eğitir. Teresita Fern's aacutendez onlardan biri değil. Sanatının, insanlık durumu ve geçmişin bugünü nasıl etkilemeye devam ettiği hakkında daha fazla bilgi edinme arzusu tarafından yönlendirildiğini söyledi. Her zaman sadece kendim için merak ediyorum: Neredeyim? Burası neresi? Pek çoğumuz kendi tarihimizi bile bilmiyoruz, dedi.

Kariyeri boyunca, Miami'de sürgündeki Kübalı bir ailenin çocuğu olarak dünyaya gelen Fern'acutendez, Karayipler'e ve Kübalı şair ve filozof Joséeacute Martí, Jamaikalı romancı Sylvia gibi entelektüellerine odaklanarak kendi kültürel soyunu öğrenmeyi kendine görev edindi. Wynter, Saint Lucian şair Derek Walcott ve Martiniquan doğumlu filozof Édouard Glissant. &ldquoBu&rsquo, kim olduğumu öğrenmek için devam eden bir araştırma projesi’&rdquo dedi, & rdquo, & rdquo, & rdquo, & rdquo, & rdquo, & rdquo, & rdquo, & rdquo, & rdquo, “ve aynı zamanda “.

Bununla birlikte, bu kaynakların çoğu, heykellerinde ve enstalasyonlarında kolayca belirgin olmayabilir ve son çalışmaları, bu etkileri bir şekilde görünmeyen şekillerde ortaya koymaktadır. Kasım ayında New York'taki Lehmann Maupin galerisindeki yeni kişisel sergisi öncesinde Brooklyn stüdyosuna sosyal mesafeli bir ziyarette Fern'aacutendez, yurtdışında bir üniversite eğitimi programının bir parçası olarak Avrupa'da geçirdiği ve oradaki müzeleri ziyaret ettiği zamanı hatırladı. Müzelerde ve katedrallerde sergilenen tüm zenginliğin, Karayipler'in sömürülmesine ve köleleştirilmiş insanların emeğine kadar uzanabileceğini fark etti.

&ldquoBen, dünyanın çoğu için bu çeper olan bu bölge hakkındaki düşünce tarzımızı nasıl sömürgelikten kurtarabileceğimizle gerçekten ilgilenmeye başladım, bu küçük şey, genellikle eğlence veya tatil yerleriyle çok kaba bir şekilde ilişkilendirilen bir şeyin kenarında,&rdquo dedi. &ldquoBu&rsquo, gerçek insanların bir şekilde resmi &m&mdash&rsquo&rsquo&rsquo&rsquo görünmez&rsquos&rsquos&rsquo.

Fern'aacutendez, &ldquoMaelstrom&rdquo başlıklı ve 23 Ocak'a kadar izlenebilecek olan Lehmann Maupin gösterisi için Karayipler'deki, özellikle Porto Riko'daki sömürgecilik tarihine bakan birkaç yeni çalışma grubu yarattı. (Bunun yanında, çalışmaları bağlamlaştırmak için bir 'görsel deneme' mikrositesi de var ve gösterinin 'altta yatan sosyal yapısı' olarak tanımladığı ek okumalar sunuyor. uzun zaman önce olmuş bir şeymiş gibi tarihsel olarak kolonizasyondan bahsetme tarzı. Ancak Porto Riko, asla sona ermeyen bu kolonizasyon deneyidir,&rdquo Fern'aacutendez, onu dünyanın en eski kolonisi olarak nitelendirdi.

Porto Riko'nun devam eden sömürge tarihi, gösterinin serilerinden biri olan &ldquoHurak'aacuten&rdquo hakkında bilgi veriyor. &ldquocathartic&rdquo olarak tanımladığı bir süreç.&rdquo Dizi, adını Ta'iacuteno halkının fırtına tanrısı için verdiği addan alıyor ve daha sonra İspanyol sömürgeciler tarafından (ve daha sonra İngilizce'ye) kasırgaları, bölgenin tropikal siklonlarını adlandırmak için kabul edildi. (&ldquoDünyada kasırgaların kasırga olarak adlandırıldığı tek yer Karayipler'dir,&rdquo Fern'aacutendez ekledi.)

Serideki her eser, adını tarihi bir kasırgadan alıyor&mdashMaria, Katrina, Paloma, hatta Teresita. Özellikle isimlerin kadın olması ve Fern'aacutendez bunu, 1930'lardan beri Porto Riko'da gerçekleşen, Amerika'daki beyaz olmayan kadınlara yönelik tarihi ve süregelen zorla kısırlaştırma uygulamasına bağladı. 1930 ile 1970 arasında Porto Rikolu kadınların yüzde 35'i kısırlaştırılmaya zorlandı. Bu kadınlardan bazılarının, genellikle bilmeden, doğum kontrol hapının geliştirilmesine yol açan klinik araştırmalara katılmaları da istendi. "Bu ilaçlar Porto Rikolu kadınlar üzerinde test edildikleri için FDA onaylıydı," dedi.

2005 yılında MacArthur “dahi” bursunu kazanan Fern'aacutendez, annesi bunu deneyimlediği için bu tıbbi deney tarihine yakından aşinadır. Annesi 24 yaşındayken Amerika Birleşik Devletleri'nde histerektomi olmaya zorlandı. &ldquoHer zaman olarak anılırdı la operación,&rdquo Fernández, “Onlara bilmedikleri şeyler oldu&rdquo dedi.

Ancak Férnandez, bunların yalnızca geçmişten gelen korkunç hikayeler olmadığını ve aynı zamanda "bugünkü gerçekler" olduğunu ve ICE gözaltı merkezlerinde, özellikle de Karayip kadınları üzerinde zorla kısırlaştırmaya ilişkin yakın zamanda ifşa edilen ifşaların kanıtladığı gibi, dedi. &ldquoDizi, tüm bu şiddet olaylarını ve tekrarlarını alıp üst üste yığmanın ve bu şiddet ve belirli kadın bedenlerinin istismarı ve insanlıktan çıkarılması etrafında sarsmanın bir yoluydu. Bu, Karayip tarihinin büyük bir parçası,&rdquo Fern'aacutendez dedi.

"Son zamanlarda ICE gözaltı merkezlerinde ortaya çıkması yeni bir şey değil" diye devam etti. Kolonizasyon kadar eskidir. Fern'acutendez, birlikte ele alındığında serginin 'birçok yönden şiddetin bir portresi' olduğunu söyledi.

Tropik bir fırtınanın görüntüsü sergideki başka bir çalışmada yer alıyor, Karayip Evreni (2020), Karayipler üzerinde oluşan kasırgaları gösteren hava haritalarını taklit eden çeşitli girdapların oluşturulmuş bir görüntüsünü oluşturan binlerce sırlı seramik tesseradan oluşan 16 fit uzunluğunda bir panel. Eser hem güzel hem de büyüleyici ve yıkıcı yıkımın sürükleyici bir tasviri.

"Gördüğünüz bu hareket, dönen bir kasırgaya benziyor," dedi Fern'aacutendez. &ldquoEğer mikroskobik bir düzeye indirirseniz, vücudunuzda olup biten her şey gibi görünürdü ve onu kozmos kadar geniş olması için patlatırsanız, Samanyolu'na benzerdi.&rdquo

Fern'aacutendez, &ldquoBlack Beach(Unpolisished Diamond) adlı başka bir seri için, her biri yüzlerce tam kömür parçası, viski fıçılarından yakılmış odun ve lav kayaları (diğer malzemelerle birlikte) içeren üç büyük ölçekli çalışma paketi yarattı. ) cilalı alüminyumdan bir panele zahmetle yapıştırılır.

Fernández, bu materyallerin kendi kimlikleri olduğu için “tarafsız değiller” olduğunu söyledi. Boyacıya gitmek, bir sürü boya almak ve ardından yanmış bir manzaranın resmini yapmak gibi değil. Zaten kendi geçmişi olan gerçek bir yanmış manzaranın parçalarıyla yanmış bir manzaranın resmini yapıyorum. Adeta perili malzemeler gibi.&rdquo

Sanatçı için yarattığı manzara, tasvir etmesi gereken unsurları içerir ve bu nedenle o topraklarda yaşayanlarla yakından bağlantılıdır. &ldquoBu gerçekten insanların tarihiyle ilgili,&rdquo dedi. Temsil edilen sadece doğa değil, aynı zamanda insanoğlunun tarihi, iktidarın tarihi, bir mülkiyet tarihi, bir fetih tarihi olarak var olan daha fazla bir sanat eseridir. Manzara olarak düşündüğümüz, genellikle sadece var olan pasif bir şey, aslında daha çok güç ve görünürlük kavramları etrafında yaratılmış bir yapıdır.&rdquo


Sanatçı Teresita Fernández, Stardust Maddesi Grafiti Nasıl Anılara Dönüştürüyor?

Uzaktan, çağdaş sanatçı Teresita Fern'in heykeli Gece (Ufuk Çizgisi) gümüşi gri basit, modern bir dikdörtgen gibi görünüyor. Sanatçının sözleriyle, 'doğrudan yaklaşıldığında hiçbir şey göremezsiniz, sadece basit bir koyu gri dikdörtgen. Ama hareket etmeye başladığınızda parçalar canlanıyor. . . . Görüntü neredeyse gözlerinizin önünde gelişiyor.”

Üç farklı yatay bant oluşturan renk ve doku dereceleri ortaya çıkar. Birincisi, pürüzsüz ve düz, gökyüzünü çağrıştırıyor. İkincisi, parlak ve cilalı, suya başını sallar. Üçüncü, tıknaz ve organik, Dünya'yı temsil eder.

Tutarlılıktaki farklılıklar, Fern'in, Dünya'nın yüzeyinin altında binlerce yılda oluşan bir mineral olan grafiti kullanması sayesinde mümkün olmuştur. Smithsonian Amerikan Sanat Müzesi tarafından hazırlanan video web dizisi “Re:Frame”'in yeni bir bölümü, grafitin sanat tarihinde ve Fernández’'nin çalışmalarında oynadığı zorlayıcı rolü araştırıyor.

Latino sanatının küratörü ve müzenin baş küratör yardımcısı E. Carmen Ramos, “Teresita Fernández birçok yönden bir araştırmacı ve aynı zamanda bir kavramsal sanatçı,” diyor.

1968'de Miami'de doğan Fern'225ndez, lisans derecesini Florida International Üniversitesi'nden ve yüksek lisans derecesini Virginia Commonwealth Üniversitesi'nden aldı. 2005'te MacArthur “Genius” hibesiyle ödüllendirildi ve 2012'de Başkan Obama onu ABD Güzel Sanatlar Komisyonu'na atadı. Heykelleri ve enstalasyonları, Smithsonian Amerikan Sanat Müzesi de dahil olmak üzere dünyanın dört bir yanındaki müzelerde bulunabilir.

Fern's225ndez'in çalışmaları, alışılmadık yöntem ve malzemeler kullanarak araştırdığı doğal dünyaya odaklanıyor. Ramos, “O, bulut oluşumlarının, volkanik patlamaların ve su kütlelerinin görüntülerini yarattı”, diyor. “Çoğu durumda, izleyici için deneyim haline gelen bu illüzyonları yaratmak için çok çeşitli materyaller kullanır.” Gece (Ufuk Çizgisi), sanatçı beklenmedik bir maddenin malzeme özelliklerini araştırdı: grafit.

Peyzajın sanatsal bir odak noktası olarak gelişimi ve onun malzeme grafitle bağlantısı, Gece (Ufuk Çizgisi) Teresita Fernández tarafından. (SAAM, © 2010, Teresita Fernández, 2012.38A-C)

“Grafit doğal olarak oluşan bir mineraldir. Smithsonian'ın Washington, D.C.'deki Ulusal Doğa Tarihi Müzesi'nde kayalar ve cevherlerden sorumlu küratör Liz Cottrell, bunun Dünya gezegeninin her yerinde ve uzayda meydana geldiğini ve yalnızca karbon elementinden oluştuğunu söylüyor.

“İnsanlar, hayvanlar ve bitkiler karbondan oluşur. Cottrell, biz insanlar, karbonun baskın olduğu yaşam formlarıyız ve öldüğümüzde bedenlerimiz ve dokularımız ayrışıyor ve Dünya'daki ısı ve basınç altında organik karbon grafite dönüşüyor, diyor Cottrell.

Sıklıkla kurşunla karıştırılsa da, kalemlerimizin ucundaki beygir malzemesi aslında grafittir. Cottrell'e göre, “grafit süper yumuşaktır ve bunun nedeni karbon atomlarının düzlüklerde, tabakalar halinde düzenlenmesidir ve bu tabakalar, onu ovuşturduğunuzda basitçe kabarır.

Grafit, 16. yüzyıldan beri popüler bir sanat yapım malzemesi olmuştur. Batı sanat tarihindeki en eski “manzaralardan” bazılarını yaratmak için grafit kullanan Rönesans ustası Leonard da Vinci'nin favorisiydi.

Da Vinci'nin zamanından önce, sanatçılar doğayı sanat eseri için bir arka plan #8212bir özne değil #8212 olarak görüyorlardı. Da Vinci, doğayı ön plana çıkaran, insan uygarlığından çok manzarayı kutlayan çizimler yaratan ilk kişilerden biriydi. Ramos, “kalemler ve manzara tasvirleriyle ilgili olan grafitle bu derin bağlantı var,” diyor.

“Tarihsel olarak en popüler grafit yerleşim yerlerinden biri İngiltere'dedir. . . Cottrell, kalemlerin ilk geliştirildiği yer' diyor. Cumbria bölgesindeki Borrowdale, yüksek kaliteli yataklarıyla Rönesans sanatçıları arasında özellikle ünlendi. Da Vinci, Cumbrian grafiti ile çizim yapmaya başlamadan önce bile, İngiliz çobanlar, koyunlarının yünlerini işaretleyerek sürülerini tanımlamak için kullandılar.

Peyzajın sanatsal bir odak noktası olarak gelişimi ve onun malzeme grafitle bağlantısı, Gece (Ufuk Çizgisi). Çalışmaları doğal dünyayı merkeze alan bir sanatçı olarak Fernandez, keşfetmeye devam ettiği türe ilham veren fiziksel konuma ve malzemeye #8212 çekildi.

Teresita Fernández, alışılmadık yöntem ve malzemeler kullanarak keşfettiği doğal dünyaya odaklanıyor. (Noboru Morikawa, Wikimedia Commons)

Da Vinci grafit kalemle çizim yaparken, Fern's225ndez grafitin kendisi ile heykel yapıyor. Ramos, “Malzemesi yarattığı görüntüyle yakından ve tamamen bütünleşmiş bir resim yaratma fikrinin gerçekten ilgisini çekmişti” diyor.

Ama Fernández, Borrowdale'i filmde tasvir etmiyor. Gece (Ufuk Çizgisi)—veya herhangi bir özel manzara.

“Thomas Moran ve Frederic Church tarafından 19. yüzyıldan kalma tarihi manzaraları düşündüğünüzde, çok özel yerleri temsil ediyorlar, değil mi? İster Colorado Uçurumu olsun, ister Aurora Borealis," diyor Ramos. “Bu çalışmaya baktığınızda, bir tür genel havası var.”

Ramos, “Teresita Fernández'in belirli bir yeri tasvir etmekle ilgilenmiyor, kişisel çağrışımlarımızı, bir ziyaretçinin kendi seçtikleri bir yerle kişisel çağrışımlarını tetiklemekle gerçekten ilgileniyor, diyor Ramos.

Teresita Fern'in yüzlerce yıllık sanat tarihine ve binlerce yıllık jeolojik süreçlere dayanan heykeli Gece (Ufuk Çizgisi) nihayetinde kişisel deneyimle ilgili, hatıraları çağrıştıran yıldız tozunun bir parçası. Grafit kullanımı heykeli toprağa bağlıyor, ancak özgüllük eksikliği, izleyicilerin hayal edilen veya hatırlanan kendi ortamlarını ışıltılı yüzeyine yansıtmalarına izin veriyor.

Ne zaman baksam, Chicago'da yaşadığım ve tüm yürüyüşlerimin Michigan Gölü'ne baktığım zamanları düşünüyorum. Benim için böyle bir deneyime sahip. Ramos, Michigan Gölü'nü tasvir etmese de, kişisel tarihimdeki o anıyı tetikliyor, diyor.

Teresita Fernández' 2010 Gece (Ufuk Çizgisi) Washington, D.C.'deki Smithsonian Amerikan Sanat Müzesi'nin doğu kanadında üçüncü katta görülüyor.

Melissa Hendrickson hakkında

Melissa Hendrickson, Smithsonian Amerikan Sanat Müzesi'nden Re:Frame adlı web dizisinin ev sahibi ve ortak yaratıcısıdır ve burada aynı zamanda Yorumlama ve İzleyici Araştırma Uzmanıdır.


SERGİ KILAVUZU

Teresita Fernandez: elemental uluslararası üne sahip Amerikalı sanatçı Teresita Fernández'in (d. 1968, Miami New York'ta yaşıyor) ilk kariyer ortası retrospektifidir. Fernández, sürükleyici enstalasyonları, heykelleri ve anıtsal kamusal sanat komisyonlarıyla tanınan kavramsal bir sanatçıdır. Kavramsal temelli çalışması, daha acil anlatıları ortaya çıkarmak için geleneksel manzara resmi ve Arazi sanatı türlerini yapıbozuma uğratarak geleneksel peyzaj tanımlarına meydan okumaya dayanır. Fernández, altın, grafit, odun kömürü ve genellikle sömürgecilik, toprak ve güçle bağlantılı karmaşık geçmişleri olan diğer mineraller gibi kritik malzeme seçimine özel önem veriyor.

©2019 Pérez Sanat Müzesi Miami

"Manzara, genellikle gördüklerinizden çok görmediklerinizle ilgilidir.

Kendime şu çok basit soruyu sorarak başlıyorum: Neredeyim? Tarihsel, ekonomik, sosyal, ırksal, coğrafi, görsel, duygusal ve fiziksel olarak?

Teresita Fernandez
GİRİŞ

Teresita Fernandez: elemental son 20 yılda yapılan çeşitli işleri içeren bir dizi deneyimsel enstalasyon olarak düzenlenmiştir. Bu ortamlar, görünürlük, maddesellik ve iç içe geçmiş sosyopolitik tarihlerin sessiz bir şekilde çözülmesi yoluyla kimlik ve kişisel anlatı üzerine tefekkür etme çabası içinde izleyicileri bir dizi "manzara" ile etkileşime girmeye davet ediyor. Yeni heykelle birlikte Koro (2020) sergisinde ilk kez Fernández'in en önemli heykel çalışmaları ve nadiren görülen çizimlerinin sunumu, sanatsal pratiğine samimi bir bakış sunan bir arada sergileniyor. Daha yeni diziler, örneğin Yangın (Amerika Birleşik Devletleri) (2017–19) ve Viñales (2015–19), peyzajın politik ve sosyal karmaşıklıklarını ele alıyor.

Bir bütün olarak, elemental İzleyicilerden, nerede olduklarına dair daha derin bir anlayış yoluyla kim olduklarına dair yerleşik kavramlarla yüzleşmelerini isterken, aynı zamanda kozmosa, yeraltına, doğal fenomenlere ve doğal dünyanın elle tutulur güzelliğine gönderme yapan coşkulu, görsel olarak göz kamaştırıcı sanat eserleri sunar.

Bununla birlikte, sanatçının son zamanlarda ateş imgelerini kullanması, daha acil, tehdit edici bir anlatı önermektedir. Ateş (Amerika) (2016–19), Amerikan şiddetinin hikayeyi kimin anlattığına göre nasıl çerçevelendiğini sorgulayan birkaç eserden oluşuyor. Aynı zamanda, Fernández'in, Avrupa temasından önce bozulmamış bir Amerikan vahşi doğası mitini açığa vurarak, sürdürülebilirliğini desteklemek için yerli halkın toprağı nasıl şekillendirdiği ve ektiği konusundaki ilgisine bir referanstır.

GÖRÜNTÜ KREDİSİ

Ateş, 2005. İpek, iplik, çelik armatür ve epoksi. Collection SFMOMA Accessions Committee Fund purchase. Created in collaboration with The Fabric Workshop and Museum, Philadelphia.

In works such as Fire (America) 5 (2017) and Fire (America) 6 (2019), Fernández creates night scenes made of rich, color-saturated, glazed ceramic tesserae depicting landscapes engulfed in flames. These works provide visual representations of the erased, warped, and invisible histories that are deliberately omitted from our perception of what we define as the American landscape.

Surrounding the viewer is Charred Landscape (America) (2019), a horizon line of raw, sculptural, charcoal “land masses” made from burned wood that transforms into diffused gestural charcoal drawings created directly on the walls. The dramatic images have an almost cinematic effect, suggesting a panoramic landscape scene dissolving into smoke.

The largest wall work on view in this series is Fire (United States of the Americas) 3 (2017–19). Made from solid charcoal elements arranged in the shape of the continental United States, the piece emerges from a wall of gestural, smoky, hand-drawn marks depicting a country burning, falling, and slipping away. About the work, Fernández states:

The piece reinserts the shape of Mexico into the map, newly configured and reimagined as so immense that its redemptive, ghostlike presence starts to dissolve into the cosmos, looming large over the United States. The charred image prompts viewers to contemplate and question the social history of the United States of America—only here are we in the habit of using the term “America” in its singular form. Throughout the rest of the Western Hemisphere, the term is customarily used in its plural form, “the Americas.”

IMAGE CREDIT

Fire (United States of the Americas) 3, 2017–19. Charcoal. Courtesy the artist and Lehmann Maupin, New York, Hong Kong and Seoul. Photo: Beth Devillier.

GRAPHITE

The idea that the pencil that you are drawing with could come from a physical landscape, where you could stand on that landscape and everything underneath your feet would be solid graphite, became another way for me to think about the act of drawing and Land art. Drawn Waters (Borrowdale) is like making a sculpture that’s really a drawing, a kind of dimensional, physical smudge. So that the act of drawing, the object of drawing, and the physical landscape become one and the same. To assemble the parts of a sculpture like Drawn Waters (Borrowdale) becomes precisely to engage in making a drawing.

Benzer şekilde, Sfumato (2019) is an immersive, site-specific installation that sweeps across the walls of the gallery like an organic, dissolving swarm. It is made of thousands of small rocks of raw, mined graphite—each with a feathery drawn mark that emanates from it like a cosmic trail. Sfumato’s scale shifts from intimate to vast, from miniature to panoramic so the work appears like a spreading constellation from a distance. Up close, the individual graphite elements each become their own tiny, solid landscape.

Fernández’s use of graphite, a mined, subterranean material, can also be seen in her Nocturnal series (2009–17), where dark-relief, graphite panels allude to mysterious night scenes and explore the material’s sculptural qualities beyond its common association to traditional modes of drawing. The panels suggest monochromatic, minimalist paintings, but the dimensional, carved, polished, and layered graphite slowly transforms to reveal a reflected surface of lustrous relief landscape paintings.

IMAGE CREDIT

Drawn Waters (Borrowdale), 2009. Natural and machined graphite on steel armature. Sfumato, 2009. Graphite and magnets, dimensions variable. Installation view: Lehmann Maupin, New York, 2009. Courtesy the artist and Lehmann Maupin, New York, Hong Kong and Seoul.

SUBTERRANEAN

Fernández draws from her personal experience in the elaborate cave system of the Viñales Valley. Used since prehistoric times, the caves were once occupied by Taino indigenous people before colonization and were later used as a place of refuge for Maroons, or runaway slaves, who fled from surrounding plantations to freedom and formed small communes by hiding in the caves by day. As viewers engage with the immersive sculpture, the suggested landscape expands and contracts, prompting them to visually construct the image and become the size of what they are looking at.

Here, Fernández uses malachite rocks brought from the Democratic Republic of the Congo for their visual similarities to the lush, vibrant, and green Viñales Valley. This choice of material asserts what Fernández refers to as “stacked landscapes.” The malachite comes from a real landscape in the Congo and is used to create another imagined landscape, in the process highlighting the historical, cultural, and conflicted colonial relationship between Africa and Cuba. The idea is that when viewers unravel the landscape, they are always in more than one place simultaneously. Surrounding glazed ceramic panels reveal mineral-like, subterranean views that further reinforce the idea of the caves as protective, womb-like interiors.

IMAGE CREDIT

Viñales (Reclining Nude), 2015. Wakkusu concrete. bronze, and malachite. Courtesy the artist and Lehmann Maupin, New York, Hong Kong and Seoul.

NIGHT WRITING

The title of the series is a reference to “Écriture Nocturne,” a code devised in the early 19th century to enable Napoleon Bonaparte’s soldiers to communicate at night, silently and without light. The code was also an early precursor to braille.

Each sumptuous, paper-pulp image of the night sky in the series is covered with words that have been translated into braille patterns, which become an abstracted field of perforated constellation points superimposed onto a mirror backing. Each dot appears to flicker, catching reflections of viewers moving in front of the works.

Artworks such as Night Writing (Tristan and Isolde) (2011) ve Night Writing (Hero and Leander) (2011) contain cryptic words lost in an undecipherable code of dots. The works become a statement on the ephemeral quality of abstracted language as viewers attempt to grasp the content hidden within the invisible text. Fernández’s works often explore this subtle space between blindness, vision, and the tactile.

IMAGE CREDIT

Night Writing (Hero and Leander), 2011. Colored and shaped pulp paper with inkjet assembled with mirror. Made in collaboration with Singapore Tyler Print Institute. Collection of the artist. Courtesy Lehmann Maupin, New York, Hong Kong and Seoul.

I’m very interested in the idea of gold as a cultural phenomena in ancient traditions of mining that originated in Africa, China, and Mesoamerica well before the more familiar European traditions ever evolved. Gold is present all over the world and has, across every time period and culture, been synonymous with the sun, with light, with radiance—subterranean metals connected to their heavenly counterparts. But my use of gold is also a very deliberate reference to colonization. The history of gold as a material is also, always, the history of landscape in the Americas, of land, conquest, power and, by default, of the erasure and decimation of indigenous peoples for European greed.

IMAGE CREDIT

Nishijin Sky, 2014. Silk, polyester, paper, nylon, brass, and aluminum. Made in collaboration with HOSOO, Kyoto, Japan. Courtesy the artist. and Lehmann Maupin, New York, Hong Kong and Seoul. Photo: Noboru Morikawa.

BORROWED LANDSCAPE

The installation Borrowed Landscape (Citron, Cerulean, Violet, Blue) (1998) is made of sculptural volumes of colored light, sheer fabric, and wood that hover in a dark room and exist somewhere between architecture, sculpture, and painting. Each “room” has a floor covered with thousands of miniature, hand-drawn shapes taken from 17th-century garden hedge patterns. Together, they read simultaneously as rugs and aerial landscape views, toggling between scales to create something akin to an indoor landscape or an outdoor room. Much like in a real garden, viewers trace the space by walking through the mazelike, geometric volumes that contract and expand into shifting vistas.

IMAGE CREDIT

Borrowed Landscape (Citron, Cerulean, Violet, Blue), 1998. Wood, fabric, oculus light, graphite, and paint. Originally commissioned at Artpace, San Antonio, Texas. Collection of the artist. Courtesy Lehmann Maupin, New York, Hong Kong and Seoul.


Related story

A domed ceiling of white plaster tops the space, which will be used for large-scale installations and &ndash after the coronavirus pandemic &ndash large gatherings.

Art by Teresita Fernández occupies one wall of the Williams Forum

Displayed on the east wall of the Williams Forum is a map of America made from pieces of charcoal by American artist Teresita Fernández.

Called Fire (United States of the Americas), it "points to the cycles of destruction and regeneration on which the history of this country is built", according to the museum.

Tiles have been restored and pipes laid below the Vaulted Walkway

The Vaulted Walkway, a 640-foot-long (195 metres) corridor running the breadth of the exterior of the Philadelphia Museum of Art, has been reopened again after 50 years.

The Guastavino tiles in the vaults between the collonades have been restored, and new steam pipes, water lines, electric and internet cables have been installed below the paving to improve the museum's infrastructure.

The South Hall has been turned into a sculpture room

A room at one end of the Vaulted Walkway, called the South Hall, has been refurbished and turned into a sculpture display area.

Gehry is a much-lauded architect and the recipient of the Pritzker Architecture Prize, Japan's Praemium Imperiale, and America's Presidential Medal of Freedom amongst other accolades.

Notable museum projects from his practice include the upcoming Luma Arles arts tower in southern France, which is slated to open in June, and the Guggenheim Museum in Bilbao.


Teresita Fernández (b. 1968, Miami, FL, lives and works in Brooklyn, NY) is a conceptual artist best known for her monumental, public projects that expand on notions of landscape and place. Her work, often inspired by natural phenomena—meteor showers, fire, and the night sky—invites experiential engagement with the work and the space it occupies. Fernández places particular importance on her choice of materials such as gold, graphite, and other minerals that have loaded histories, often tied to colonialism, history, land, and power. Her work is characterized by a quiet unraveling of place, visibility, and erasure that prompts an intimate experience for individual viewers. In 2015, Fernández installed her largest public art project to date, Fata Morgana, in New York’s Madison Square Park. The work was composed of overhead, mirrored canopies above all of the park’s walkways, and its title refers to mirages that hover right above the horizon.

Fernández is a 2005 MacArthur Foundation Fellow and the recipient of a number of awards including the Aspen Award for Art in 2013, a 2003 Guggenheim Fellowship, and a Louis Comfort Tiffany Biennial Award in 1999. Appointed by President Obama, she was the first Latina to serve on the US Commission of Fine Arts, a 100-year-old federal panel that advises the president and Congress on national matters of design and aesthetics. Her upcoming mid-career museum retrospective, Teresita Fernández: Elemental, is currently on view at the Pérez Art Museum Miami. Surveying over 20 years of work, the exhibition will travel to the Phoenix Art Museum followed by the New Orleans Museum of Art. Fernández’s public art project, Paradise Parados, will be installed on the rooftop of the BAM Harvey Theater, Brooklyn, NY, in 2020.

Fernández’s recent site-specific commissions include Vînales (Mayombe Mississippi), New Orleans Museum of Art, Sculpture Garden, New Orleans, LA (2019) Island Universe, Ford Foundation, New York, NY (2019) Autumn (…Nothing Personal), Harvard University, Cambridge, MA (2018) Stacked Waters, Blanton Museum of Art, University of Texas, Austin, TX (2009) Blind Blue Landscape, Benesse Art Site, Naoshima, Japan (2009) and Seattle Cloud Cover, Olympic Sculpture Park, Seattle, WA (2006).

In 2001, Fernández worked with the Public Art Fund to realize Bamboo Cinema, a large-scale, maze-like installation made of colored, translucent polycarbonate tubes in Madison Square Park, New York City.

Cecilia Vicuña (b. 1948 in Santiago, Chile is a poet, artist and activist. She lives and works in New York and Santiago) integrates practices of performance, Conceptualism, and textile in response to pressing concerns of the modern world, including ecological destruction, human rights, and cultural homogenization. Born and raised in Santiago, she was exiled during the early 1970s after the violent military coup against President Salvador Allende. This sense of impermanence, and a desire to preserve and pay tribute to the indigenous history and culture of Chile, have characterized her work throughout her career.


Teresita Fernández

“ ..Best known for her unique installations and immersive public projects, Fernández explores ideas of the figure in the landscape, the natural world, the extremes of scale, as well as the act of looking.. ”

Click for full text

Lehmann Maupin, New York (West 22nd St)

“ ..She is an artist best known for her conceptual, experiential works, prominent public sculptures, and unconventional use of materials.. ”

Click for full text

Lehmann Maupin, Chrystie Street

“ ..Fernández's work is characterized by an interest in perception and the psychology of looking.. ”

Click for full text

Lehmann Maupin, Chrystie Street

“ ..Fernández here seeks to revise our notion of what is the “American Landscape” and who gets to define it.. ”

Click for full text

Teresita Fernández is an American Postwar & Contemporary artist who was born in 1968. Her work was featured in numerous exhibitions at key galleries and museums, including the SFMOMA, San Francisco Museum of Modern Art and the Museum of Fine Arts, Boston. Teresita Fernández's work has been offered at auction multiple times, with realized prices ranging from $195 USD to $132,000 USD, depending on the size and medium of the artwork. Since 2006 the record price for this artist at auction is $132,000 USD for Burnout, sold at Sotheby's New York in 2006. Teresita Fernández has been featured in articles for the ArtLyst, the ARTnews and the ARTnews. The most recent article is Teresita Fernández Depicts Caribbean Colonialism and Eco-Trauma written by Louis Bury for the Hyperallergic in January 2021.


In Focus: Teresita Fernández

Lehmann Maupin is pleased to announce In Focus: Teresita Fernández. This special installation debuts the artist&rsquos most recent series, Dark Earth, begun in 2019. The presentation will feature four panels made of solid charcoal on chromed metal that delve deeper into the artist&rsquos interest in the buried, layered, and often violent histories of landscape and place. In Focus presentations are a recent addition to the Lehmann Maupin program that create a space for the gallery to highlight a critical aspect of an artist&rsquos practice. These installations offer unique public access to recent, timely, or significant works by the gallery&rsquos artists. There will be an artist-led walk through on November 23, at 11am. Capacity is limited reserve a space at [email protected]

Merging the conceptual and the material within her Dark Earth series, Fernández sculpts raw charcoal into sumptuously textured, abstracted images that challenge conventional notions of landscape art traditions. These panoramic landscape scenes expand and contract to suggest ancient mountain ranges, bodies of flowing water, subterranean minerals, radiant skies, and the immensity of the cosmos. Fernández&rsquos sense of the landscape suggests not only the physicality of the land, but also the history of human beings who have carefully cultivated it, or abused it, and the subsequent erasure that continues to shape our present-day perceptions of the people and places around us. Elaborating on ideas of the traditional &ldquofigure in the landscape,&rdquo Fernández uses the reflective quality of the golden metal to prompt viewers to consider their own role in this system, as their gaze is returned and distorted within this constructed landscape, and to re-examine their place in the eroded physical and psychological spaces produced by centuries of dominant colonialism. Imbuing the landscape with an anthropomorphic sensibility, Fernández has stated, &ldquoyou look at the landscape, but the landscape also looks back at you.&rdquo Each panel presents a spectral scene that echoes the ancient and the vast, while also referring to the cultural histories of its material makeup&mdashgold, conquest, violence, agriculture&mdashand the fluctuation of power that surrounds natural resources.

Exhibited concurrently with the artist&rsquos retrospective, Teresita Fernández: Elemental, on view at the Pérez Art Museum Miami through February 9, 2020, these new works represent a direct through line of her career-spanning consideration of landscape as it is tied to human history and the emerging narratives that shape our understanding of it.

About the artist
Teresita Fernández (b. 1968, Miami, FL, lives and works in Brooklyn, NY) is a 2005 MacArthur Foundation Fellow and the recipient of a number of awards including the Aspen Award for Art in 2013, the 2003 Guggenheim Fellowship, and the Louis Comfort Tiffany Biennial Award in 1999. Appointed by President Obama, she was the first Latina to serve on the U.S. Commission of Fine Arts, a 100-year-old federal panel that advises the president and Congress on national matters of design and aesthetics.

Recent site-specific commissions include Night Writing, Park Tower at Transbay, San Francisco, CA (2019) Vînales (Mayombe Mississippi), New Orleans Museum of Art, Sculpture Garden, New Orleans, LA (2019) Island Universe, Ford Foundation, New York, NY (2019) Autumn (&hellipNothing Personal), Harvard University, Cambridge, MA (2018) Fata Morgana, Madison Square Park, New York, NY (2015) Stacked Waters, Blanton Museum of Art, University of Texas, Austin, TX (2009) Blind Blue Landscape, Benesse Art Site, Naoshima, Japan (2009) and Seattle Cloud Cover, Olympic Sculpture Park, Seattle, WA (2006). Fernández&rsquos public art project, Paradise Parados, will be installed on the rooftop of the BAM Harvey Theater, Brooklyn, NY, in 2020.

Fernández received a BFA from Florida International University, Miami, in 1990 and an MFA from Virginia Commonwealth University, Richmond, in 1992. Solo exhibitions of her work have been organized at the Phoenix Art Museum, Phoenix, AZ (forthcoming 2020) Pérez Art Museum Miami, Miami, FL (2019) Harvard University, Boston, MA (2018) Olana State Historic Site, Hudson, NY (2017) Massachusetts Museum of Contemporary Art, North Adams, MA (2014) Modern Art Museum of Fort Worth, TX (2011) Museum of Contemporary Art Cleveland, OH (2011) University of South Florida Contemporary Art Museum, Tampa, FL (2009) Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, Spain (2005) and Castello di Rivoli, Turin, Italy (2001).

Fernández&rsquos work is featured in numerous international public and private collections, including Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, NY Bloomberg Family Foundation, New York, NY Coleccion Patricia Phelps de Cisernos, New York, NY Institute of Contemporary Art, Miami, FL Israel Museum, Tel Aviv, Israel Fondation Louis Vuitton, Paris, France Museum of Fine Arts, Boston, MA The Museum of Modern Art, New York, NY Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, Spain Pennsylvania Academy of the Fine Arts, Philadelphia, PA Pérez Art Museum, Miami, FL Sammlung Goetz, Munich, Germany San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco, CA Walker Art Center, Minneapolis, MN and the Whitney Museum of American Art, New York, NY.


In Focus: Teresita Fernández

Lehmann Maupin is pleased to announce In Focus: Teresita Fernández. This special installation debuts the artist&rsquos most recent series, Dark Earth, begun in 2019. The presentation will feature four panels made of solid charcoal on chromed metal that delve deeper into the artist&rsquos interest in the buried, layered, and often violent histories of landscape and place. In Focus presentations are a recent addition to the Lehmann Maupin program that create a space for the gallery to highlight a critical aspect of an artist&rsquos practice. These installations offer unique public access to recent, timely, or significant works by the gallery&rsquos artists. There will be an artist-led walk through on November 23, at 11am. Capacity is limited reserve a space at [email protected]

Merging the conceptual and the material within her Dark Earth series, Fernández sculpts raw charcoal into sumptuously textured, abstracted images that challenge conventional notions of landscape art traditions. These panoramic landscape scenes expand and contract to suggest ancient mountain ranges, bodies of flowing water, subterranean minerals, radiant skies, and the immensity of the cosmos. Fernández&rsquos sense of the landscape suggests not only the physicality of the land, but also the history of human beings who have carefully cultivated it, or abused it, and the subsequent erasure that continues to shape our present-day perceptions of the people and places around us. Elaborating on ideas of the traditional &ldquofigure in the landscape,&rdquo Fernández uses the reflective quality of the golden metal to prompt viewers to consider their own role in this system, as their gaze is returned and distorted within this constructed landscape, and to re-examine their place in the eroded physical and psychological spaces produced by centuries of dominant colonialism. Imbuing the landscape with an anthropomorphic sensibility, Fernández has stated, &ldquoyou look at the landscape, but the landscape also looks back at you.&rdquo Each panel presents a spectral scene that echoes the ancient and the vast, while also referring to the cultural histories of its material makeup&mdashgold, conquest, violence, agriculture&mdashand the fluctuation of power that surrounds natural resources.

Exhibited concurrently with the artist&rsquos retrospective, Teresita Fernández: Elemental, on view at the Pérez Art Museum Miami through February 9, 2020, these new works represent a direct through line of her career-spanning consideration of landscape as it is tied to human history and the emerging narratives that shape our understanding of it.

About the artist
Teresita Fernández (b. 1968, Miami, FL, lives and works in Brooklyn, NY) is a 2005 MacArthur Foundation Fellow and the recipient of a number of awards including the Aspen Award for Art in 2013, the 2003 Guggenheim Fellowship, and the Louis Comfort Tiffany Biennial Award in 1999. Appointed by President Obama, she was the first Latina to serve on the U.S. Commission of Fine Arts, a 100-year-old federal panel that advises the president and Congress on national matters of design and aesthetics.

Recent site-specific commissions include Night Writing, Park Tower at Transbay, San Francisco, CA (2019) Vînales (Mayombe Mississippi), New Orleans Museum of Art, Sculpture Garden, New Orleans, LA (2019) Island Universe, Ford Foundation, New York, NY (2019) Autumn (&hellipNothing Personal), Harvard University, Cambridge, MA (2018) Fata Morgana, Madison Square Park, New York, NY (2015) Stacked Waters, Blanton Museum of Art, University of Texas, Austin, TX (2009) Blind Blue Landscape, Benesse Art Site, Naoshima, Japan (2009) and Seattle Cloud Cover, Olympic Sculpture Park, Seattle, WA (2006). Fernández&rsquos public art project, Paradise Parados, will be installed on the rooftop of the BAM Harvey Theater, Brooklyn, NY, in 2020.

Fernández received a BFA from Florida International University, Miami, in 1990 and an MFA from Virginia Commonwealth University, Richmond, in 1992. Solo exhibitions of her work have been organized at the Phoenix Art Museum, Phoenix, AZ (forthcoming 2020) Pérez Art Museum Miami, Miami, FL (2019) Harvard University, Boston, MA (2018) Olana State Historic Site, Hudson, NY (2017) Massachusetts Museum of Contemporary Art, North Adams, MA (2014) Modern Art Museum of Fort Worth, TX (2011) Museum of Contemporary Art Cleveland, OH (2011) University of South Florida Contemporary Art Museum, Tampa, FL (2009) Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, Spain (2005) and Castello di Rivoli, Turin, Italy (2001).

Fernández&rsquos work is featured in numerous international public and private collections, including Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, NY Bloomberg Family Foundation, New York, NY Coleccion Patricia Phelps de Cisernos, New York, NY Institute of Contemporary Art, Miami, FL Israel Museum, Tel Aviv, Israel Fondation Louis Vuitton, Paris, France Museum of Fine Arts, Boston, MA The Museum of Modern Art, New York, NY Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, Spain Pennsylvania Academy of the Fine Arts, Philadelphia, PA Pérez Art Museum, Miami, FL Sammlung Goetz, Munich, Germany San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco, CA Walker Art Center, Minneapolis, MN and the Whitney Museum of American Art, New York, NY.


Videoyu izle: The Artist Project: Teresita Fernández (Mayıs Ayı 2022).